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domingo, 28 de febrero de 2021

Kuzgun Acar homenajeado por Google en el 93 aniversario de su nacimiento.

 


28 de febrero de 2021

Kuzgun Acar homenajeado por Google en el 93 aniversario de su nacimiento.

Google homenajea en su web de Turquía al escultor turco Kuzgun Acar. Al cumplirse el 93 aniversario de su nacimiento. Por su experimentación en la soldadura de materiales como alambre, clavos y chatarra para formar obras abstractas, Acar es considerado un pionero de la escultura moderna en Turquía.

Kuzgun Acar nació el 28 de febrero de 1928, Provincia de Estambul, (Turquía). Escultor turco, conocido por sus trabajos en metal, por sus esculturas abstractas, es considerado uno de los pioneros de las esculturas modernas en Turquía. Una de sus famosas esculturas es Kuşlar, que creó en 1967.

Kuzgun Acar abrió una fábrica de cordones de zapatos con su padre después de la secundaria, pero no fue hasta que se inscribió en el departamento de esculturas de la Academia de Bellas Artes de Estambul que encontró su verdadera vocación. Allí, asistió a talleres de desmantelamiento de barcos, donde los expertos le enseñaron cómo soldar materiales recuperados en obras de arte. Influenciado por los maestros turcos contemporáneos Zühtü Müridoğlu y Hadi Bara, Acar desarrolló el talento que se convirtió en la pasión de su vida: la escultura abstracta.

En 1961, una escultura hecha de clavos oxidados ganó el primer premio en una exposición de París, junto con una beca que patrocinó un año de estudios en Francia. Mientras estuvo allí, continuó perfeccionando su oficio artístico, e incluso organizó una exposición individual en el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris (Museo de Arte Moderno de París) en 1962. A su regreso a Estambul, Acar produjo algunas de sus obras. Las obras más importantes incluyen "Turquía", un enorme relieve de bronce que se muestra en un rascacielos de Ankara, y su escultura de metal atemporal, "Birds - Abstract Composition". Como una de sus últimas obras, Acar transformó acero retorcido y caucho en 140 máscaras de metal para “The Caucasian Chalk Office”, una obra de teatro alemana que se representó en París.

Falleció el 4 de febrero de 1976, Provincia de Estambul, Turquía.

martes, 25 de agosto de 2020

Barbara Hepworth homenajeada por Google




25 de agosto de 2020
Barbara Hepworth homenajeada por Google

El Doodle animado de hoy celebra la vida y obra de la escultora abstracta inglesa Dame Barbara Hepworth, considerada una de las escultoras más impactantes de mediados del siglo XX.


Jocelyn Barbara Hepworth nació el 10 de enero de 1903 en Wakefield, West Yorkshire, (Inglaterra). Escultora, considerada una de las escultoras más impactantes de mediados del siglo XX. El 25 de agosto de 1939 llegó a St. Ives, una ciudad en la costa sur de Inglaterra, donde estableció su estudio y vivió el resto de su carrera.

Estudió en la Wakefield Girls High School, y en la Leeds School of Art donde comenzó una amistad de por vida mutuamente influyente con el escultor Henry Moore entre 1920 y 1921, así como en el Royal College of Art de Londres (1921-1924). Más tarde estudió durante un tiempo en Italia.

Si bien sus primeros trabajos incorporaron elementos clásicos, en la década de 1930 se había pasado a piezas totalmente abstractas, entre las primeras esculturas de este tipo elaboradas en Gran Bretaña.

Como se muestra en el logo de Google de hoy, Hepworth fue una de las principales practicantes del "tallado directo", una técnica mediante la cual el proceso de escultura está influenciado por las cualidades de las materias primas, en lugar de un modelo preconcebido. Su trabajo suele estar marcado por una cualidad sensible y orgánica y un enfoque característico en la interacción entre la masa y el espacio vacío.


Entre sus muchos premios, Hepworth fue galardonada con el Gran Premio en la Bienal de São Paulo de 1959 y, por su inestimable contribución al arte británico, fue nombrada Dama Comandante de la Orden del Imperio Británico en 1965. Las más de 600 esculturas de Hepworth siguen siendo un testimonio del poder único del arte para reflejar los valores atemporales del humanismo y la belleza natural.

Falleció durante un incendio en su taller de St. Ives, Cornualles, el 20 de mayo de 1975, a los setenta y dos años de edad. El taller y su casa forman el Museo Barbara Hepworth.

sábado, 7 de diciembre de 2019

Camille Claudel homenajeada por Google en el 155 aniversario de su nacimiento.


8 de diciembre de 2019
Camille Claudel homenajeada por Google en el 155 aniversario de su nacimiento.

Google homenajea mañana en su web de: Estados Unidos, Islandia, Irlanda, Reino Unido, Francia, Alemania, Austria, Lituania, Croacia, Serbia, Bulgaria, Grecia, Vietnam y Japón, a la escultora francesa Camille Claudel al cumplirse el 155 aniversario de su nacimiento. El Logo realizado por el estudio de diseñadores graficos Icinori de Paris (Mayumi Otero y Raphael Urwiller)

Camille Claudel nació el 8 de diciembre de 1864 en Villeneuve-sur-Fère (Francia). Escultora. Hermana del poeta Paul Claudel y amante del que fuera su maestro, el escultor Auguste Rodin.

Desde su infancia Camille fue una apasionada de la escultura, jugaba con el barro y esculpía a las personas que la rodeaban. En 1876 su padre fue trasladado a Nogent-sur-Seine, ahí trabajaban Paul Dubois, Director de la Escuela Superior de Bellas Artes de París y su discípulo Alfred Boucher.

En 1882 Paul Dubois la admite en la Escuela de Bellas Artes. Llega a París en 1883 con el fin de perfeccionar su técnica e ingresar en la Academia Colarussi. Ese mismo año se encuentra por primera vez con Auguste Rodin, mientras el célebre escultor sustituía una clase de su amigo Alfred Boucher. Al año siguiente empieza a trabajar en su taller, posa para él y colabora en la realización de las figuras de La puerta del Infierno. El rostro y el cuerpo de Camille invaden las obras de Rodin en esa época.

Además de ser una de las principales colaboradoras del escultor, fue también su compañera durante algunos años, se convirtió en su modelo y su musa, inspirando obras como La Danaïde o Fugit Amor. Octave Mirbeau escritor y crítico de arte proclamó su genio, ya que a pesar de la influencia de Rodin en la obra de la escultora, ella muestra un toque personal y femenino.

Claudel y Rodin se involucraron sentimentalmente, lo que resultó en dos esculturas personalmente reveladoras, Persée et la Gorgone (Perseo y la Gorgona) y L'Âge mûr (La edad de la madurez). La primera presenta un autorretrato de Claudel como la Gorgona Medusa y a menudo se ha interpretado como una contemplación de la batalla cuesta arriba por el reconocimiento que enfrentó en su carrera artística. Ambas piezas coincidieron con el final de su relación en 1893.

Gran parte del trabajo de Claudel reside en el Museo Camille Claudel en Nogent-sur-Seine, que se inauguró en 2017. Aquí, los amantes del arte de todo el mundo continúan apreciando la obra de Claudel.

Falleció el 19 de octubre de 1943 (78 años) en Vaucluse, (Francia)

martes, 27 de agosto de 2019

Eduardo Ramírez Villamizar homenajeado por Google en el 97 aniversario de su nacimiento.


27 de Agosto de 2019
Eduardo Ramírez Villamizar homenajeado por Google en el 97 aniversario de su nacimiento.

Google homenajea en su web de México, Guatemala, Honduras, Nicaragua, Costa Rica, Panamá, Cuba, República Dominicana, Puerto Rico, Venezuela, Colombia, Ecuador, Perú, Chile y Argentina, estimado artista colombiano Eduardo Ramírez Villamizar, considerado uno de los escultores más notables de su país. Al cumplirse el 97 aniversario de su nacimiento.

Eduardo Ramírez Villamizar nació en Pamplona, (Colombia) el 23 de agosto de 1923. Artista constructivo colombiano. Uno de los primeros de Colombia y uno de los más importantes de América Latina. Expuso junto con Edgar Negret, Grau, Wiedemann, Botero y Obregón. En 1970 transformó el arte precolombino en obras geométricas propias del arte abstracto y minimalista.

Viaja a estudiar a Bogotá arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia, aunque su interés gira en torno a la pintura. Al dejar la carrera de arquitectura, comenzó a pintar en términos expresionistas.

Expuesto al modernismo internacional en viajes a París y Nueva York durante la década de 1950, tuvo un éxito temprano. Una de sus piezas, The Black and White Painting, fue adquirida por el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1956, y dos años después ganó un premio Guggenheim.

Al regresar a casa, se convirtió en pionero del arte abstracto en Colombia. Su exposición individual de 1952 en la Biblioteca Nacional de Bogotá fue una de las primeras muestras de pintura abstracta, y su Composición de 1957 en Ocres fue el primer mural no objetivo del país. Las formas curvas de su gran relieve de El Dorado creado para el Banco de Bogotá estaban cubiertas de pan de oro, un guiño a las figuras precolombinas y la orfebrería latinoamericana. En obras escultóricas posteriores, tradujo las formas distintivas del arte precolombino en planos abstractos.

Villamizar representó a Colombia en la Bienal de São Paulo de 1969, ganando el segundo premio internacional. Creó la monumental obra Sixteen Towers de 1974 sobre las colinas de Bogotá, y el gobierno colombiano le otorgó la prestigiosa Cruz de Boyacá. Su legado sigue vivo en el Museo de Arte Moderno Eduardo Ramírez Villamizar en su ciudad natal, donde gran parte de la obra del artista se encuentra en una gran casa colonial en la plaza central de Pamplona (Colombia).

Falleció 24 de agosto de 2004 (81 años) en Bogotá (Colombia)

lunes, 17 de junio de 2019

İlhan Koman homenajeado por Google en el 98 aniversario de su nacimiento.



17 de junio de 2019
İlhan Koman homenajeado por Google en el 98 aniversario de su nacimiento.

Google homenajea en su web de Turquía al escultor İlhan Koman al cumplirse el 98 aniversario de su nacimiento.

İlhan Koman nació en Edirne, (Turquía) el 17 de junio de 1921. Escultor, entre 1951 y 1958, trabajó en la Academia de Bellas Artes de Estambul, y después se mudó a Suecia en 1959, donde vivía en su barco llamado M / Y Hulda. En sus obras, que eran una mezcla de ciencia y arte, obtuvo una posición única en el mundo del arte, debido a esta especialidad, se le conoció como el turco Da Vinci. Su trabajo más famoso y más hablado en el campo de la abstracción figurativa es su escultura Akdeniz.

Su infancia transcurrió en el distrito de Kaleiçi de Edirne. Después de terminar la Escuela Secundaria Edirne, ingresó en el Departamento de Pintura de la Academia de Bellas Artes de Estambul en 1941. Por recomendación de sus maestros, se trasladó al Departamento de Escultura un año más tarde, como estudiante de Rudolf Belling, se graduó en 1945.

En 1947, obtuvo una beca estatal al ganar el examen del Ministerio de Educación y fue enviado a París, junto con Neşet Günal, Refik Eren y Sadi Öziş. En los años 1947–1950, estudió en la Academie Julian y en la École du Louvre en Francia. Sus obras durante su estancia en el Louvre fueron especialmente realizadas por el arte mesopotámico y del antiguo Egipto. El artista, que sentía una cercanía con las tendencias contemporáneas en París, abrió su primera exposición en París en 1948. En 1951, justo antes de regresar a Turquía, se casó con Melda Kaptana y, de este matrimonio, tuvo un hijo.

Después de regresar a su país de origen, comenzó su servicio obligatorio en la Academia de Bellas Artes de Estambul trabajando hasta 1958. En 1952, ganó el primer lugar con la composición de Relieve bajo la Escalera en la Sala de Honor en el "Concurso de Escultura Anıtkabir". Entre los años 1952 y 1954, los relieves que creó en el contexto de este proyecto sobre la Batalla de Sakarya (1921), tuvieron rastros de su experiencia adquirida en París, donde estudió los relieves mesopotámicos y egipcios antiguos.

Las esculturas de Koman se encuentran en las calles y plazas de 20 ciudades, la mayoría de ellas en Estocolmo. En frente de la Escuela de Arquitectura de Estocolmo, su escultura Från Leonardo ("De Leonardo da Vinci") es una de sus obras más apreciadas. Frente a la sede de la Compañía de Seguros Yapı Kredi en Estambul, su escultura Akdeniz es la obra más conocida del escultor en Turquía.

Falleció el 30 de diciembre de 1986 (a la edad de 65) en Estocolmo (Suecia)

miércoles, 1 de mayo de 2019

Homenaje a Ruth Asawa


1 de mayo de 2019
Homenaje a Ruth Asawa

Celebrando el mes asiático-americano de las islas del Pacífico en los Estados Unidos, el logo de Google de hoy homenajea a Ruth Asawa, la aclamada artista y educadora japonés-estadounidense que superó grandes adversidades a lo largo de su vida, y finalmente exhibió sus intrincadas esculturas de alambre y obras en papel en museos de todo el mundo. El logo se puede ver en las páginas web de Google en: Estados Unidos, Irlanda, Reino Unido e Israel.

Ruth Asawa nació en Norwalk, California, (Estados Unidos) el 24 de enero de 1926. Escultora estadounidense, de origen japonés. Conocida en San Francisco como la "dama fuente", su obra se encuentra en importantes colecciones en el Museo Guggenheim y el Whitney de Nueva York. Fuerza impulsora detrás de la creación de la Escuela de Artes de San Francisco, más tarde llamada la Escuela Asawa Ruth de las Artes de San Francisco en 2010.

La familia de Asawa se ganaba la vida como granjeros hasta la Segunda Guerra Mundial, cuando fueron enviados a los campos de internamiento del gobierno de los EE. UU. Para los estadounidenses de origen japonés que viven en la costa oeste. Allí, Asawa persiguió su interés en el arte, obteniendo lecciones de compañeros de campo.

Después de dieciséis meses de internamiento, Asawa recibió una beca para estudiar en el Milwaukee State Teachers College, donde se formó para convertirse en profesora de arte. Tres años más tarde, se le impidió enseñar a sus estudiantes debido a su herencia japonesa.

Sin desanimarse, se trasladó a la escuela experimental Black Mountain College en Carolina del Norte. Fue allí donde floreció como artista y conoció al arquitecto Albert Lanier, con quien se casaría y formaría una familia, criando a seis hijos juntos.

Con los nuevos métodos que aprendió en México, donde la gente hacía canastas de alambre para uso doméstico, Asawa usó estas técnicas para crear las esculturas de alambre en forma de bucle por las que se hizo conocida.

Si bien algunos críticos descartaron su arte como "trabajo femenino" desde el principio, la reputación de Asawa creció con el tiempo. Su legado vive en comisiones públicas en California, así como en museos y galerías de todo el mundo.

Diseñó la escultura conmemorativa del internamiento japonés-estadounidense en San José en 1994, así como el Jardín de la Memoria de la Universidad Estatal de San Francisco, que incluye rocas de diez campos de internamiento.

Asawa también abogó por la educación artística para los niños, incluyendo la creación de una escuela secundaria de artes pública que más tarde pasó a llamarse Escuela de las Artes Ruth Asawa San Francisco. Desde 1982, la ciudad de San Francisco también declaró el 12 de febrero como el Día de Ruth Asawa, un tributo apropiado para una mujer que vivió de acuerdo con su creencia de que "el arte hará que la gente mejore".

Falleció el 5 de Agosto de 2013 (87 años) en San Francisco, Estados Unidos.

viernes, 29 de marzo de 2019

Novera Ahmed homenajeada por Google en el 80 aniversario de su nacimiento.




29 de marzo de 2019
Novera Ahmed homenajeada por Google en el 80 aniversario de su nacimiento.

Google homenajea en su web de Bangladés a la escultora Novera Ahmed al cumplirse el 80 aniversario de su nacimiento.

Novera Ahmed nació el 29 de marzo de 1939 en Bangladés. Escultora modernista. El gobierno de Bangladesh le otorgó el premio Ekushey Padak en 1997. Considerada la primera escultora modernista en Bangladesh y cuyo trabajo distintivo está lleno de temas occidentales, populares, indígenas y budistas para reflejar las experiencias de las mujeres.

Ahmed estudió diseño en la Escuela de Artes y Oficios de Camberwell en Londres, se graduó en 1955 y continuó sus estudios en Florencia y Viena. Destacó en 1960 con Inner Gaze, en la primera exposición individual de escultura de una escultora de Bangladesh o Pakistán. Una colaboración con el pintor Hamidur Rahman dio como resultado el Shaheed Minar, un monumento nacional en Dhaka que conmemora las manifestaciones del Movimiento de la Lengua Bengalí de 1952.

Las primeras obras de Ahmed se parecían a formas geométricas hechas de piedras y formas concretas y antropomorfas, mezclando la figura humana y los animales. Después usó hierro y acero y luego bronce. Comenzó a pintar con aerosoles, utilizando restos de accidentes aéreos del ejército de los EE. UU. (1964–1969). Sus dibujos incluían formas y figuras de carácter meditativo: espacio, isla, aves en el cielo, ave fénix, flores, agua, luz del sol y luna, paisajes minimalistas, figuras humanas dirigidas hacia un nuevo horizonte...

En 1997, Ahmed recibió un Ekushey Padak, el segundo premio civil más alto de Bangladesh.

Ahmed sufrió un derrame cerebral en 2010 y desde entonces permaneció en una silla de ruedas. Murió el 6 de mayo de 2015 en un hospital de París, Francia.

Hoy en día, muchas de sus obras se pueden ver en el Museo Novera Ahmed, fundado en 2018 por su esposo en la pequeña ciudad de La Roche-Guyon, en las afueras de París.

viernes, 9 de noviembre de 2018

Amanda Crowe homenajeada por Google en el mes de la Herencia de los nativos americanos.


9 de Noviembre de 2018
Amanda Crowe homenajeada por Google en el mes de la Herencia de los nativos americanos.

Google homenajea en su web de los Estados Unidos en el mes de la Herencia de los Nativos Americanos con un logo video a la nativa Cheroqui, talladora de madera y educadora Amanda Crowe. Dirigido por Lydia Nichols, el Doodle fue creado en colaboración con Qualla Arts & Crafts Mutual, así como William "Bill" H. Crowe, Jr., tallador de madera y sobrino y ex alumno de Amanda Crowe.

Además de resaltar las propias palabras de Crowe y su pasión por su oficio, el logo presenta imágenes de alta resolución de las verdaderas obras de Amanda ubicadas en su tierra natal en Qualla Arts & Crafts Mutual, la cooperativa india estadounidense más antigua de la nación. La música también es una composición original de su sobrino, Bill.



Amanda Crowe nació en Carolina del Norte el 16 de julio de 1928. Escultora en madera y educadora en Idioma cheroqui (de la tribu Eastern Band Cherokee).

Amanda decidió hacerse artista a la edad de cuatro años. Explicaba que cuando era una niña «Cada minuto que tenía lo pasaba esculpiendo o estudiando todo lo que encontraba sobre arte...» A los ocho años, ya estaba vendiendo sus esculturas.

Sus padres murieron cuando Amanda era muy joven. Cuando tuvo que ir al instituto, su madre adoptiva lo arregló para que pudiera quedarse en Chicago, donde se graduó y pudo asistir a la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Entonces, en 1952, obtuvo una beca de la asociación John Quincy Adams para estudiar en el extranjero, y decidió estudiar escultura con José de Creeft en el Instituto Allende, en San Miguel de Allende, México. Por fin, obtuvo su Doctorado en Bellas Artes en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 1952.

En 1953, la Asociación Histórica Cherokee, la invitó a volver a Carolina del Norte para enseñar arte en el Instituto Cherokee de Secundaria. Ocupó el puesto durante casi cuatro décadas y enseñó escultura en madera a más de 2000 estudiantes.

Sus esculturas representan a menudo figuras de animales, y fue especialmente conocida por la expresividad de sus osos. Su obra es perfeccionista, altamente estilizada, y de talla suave. Ha trabajado con piedra y arcilla, pero la madera ha sido su material preferido, y esculpía maderas locales como cerezo salvaje, Buckeye, y nogal negro.

Su arte se compara a veces con la obra de Willard Stone. La historiadora del arte Esther Bockhoff ha escrito que Amanda Crowe fue «indudablemente una de las influencias primarias del resurgimiento de la escultura cherokee.» Hay colecciones públicas de su obra en el Museo de Historia Natural de Cleveland, en el Departamento de Interior de los Estados Unidos (del que depende la BIA), y en el Museo Nacional del Indio Americano. Entre muchos premios, Amanda ganó el Premio de la Herencia Popular de Carolina del Norte en el año 2000. Expuso en museos como el Instituto de Arte de Chicago, el Museo de Arte de Atlanta, el Museo de Arte de Denver, el Mint Museum of Art de Charlotte, el Museo de Arte de Asheville, y ha tenido exposiciones en Alemania y el Reino Unido.

También ilustró el libro Cherokee Legends and the Trail of Tears, la primera edición es de 1956 y que ha sido reeditado varias veces desde entonces.

Amanda murió el año 2004.

domingo, 24 de junio de 2018

Saloua Raouda Choucair homenajeada por Google en el 102 aniversario de su nacimiento.


24 de Junio de 2018
Saloua Raouda Choucair homenajeada por Google en el 102 aniversario de su nacimiento.

Google homenajea a la pintora y escultora Saloua Raouda Choucair en sus páginas web de Marruecos, Argelia, Túnez, Libia, Egipto, Arabia Saudí, Oman e Irak al cumplirse el 102 aniversario de su nacimiento.

Saloua Raouda Choucair Nació el 24 de junio de 1916 en Beirut (Líbano). Pintora y escultora libanesa. Se dice que fue la primera artista abstracta en el Líbano.

Choucair comenzó a pintar en los estudios de los pintores libaneses Moustafa Farroukh (1935) y Omar Onsi (1942). Se considera que su exposición en 1947 en la Arab Cultural Gallery en Beirut fue la primera exposición de pintura abstracta del mundo árabe. En 1948 abandonó Líbano y se fue a París, donde estudió en la École nationale supérieure des Beaux-Arts, asistió al estudio de Fernand Léger. En 1950, fue una de las primeras artistas árabes en participar en el Salon des Réalités Nouvelles de París y en 1951 realizó una exposición individual en la galería de Colette Allendy, que fue mejor recibida en París que en Beirut.

En 1959 comenzó a centrarse en la escultura, que se convirtió en su principal preocupación en 1962. En 1963, recibió el Premio del Consejo Nacional de Turismo por la ejecución de una escultura de piedra en lugar público en Beirut. En 1974, la Asociación de Artistas Libaneses patrocinó una exposición retrospectiva honoraria de su trabajo en el Consejo Nacional de Turismo en Beirut. En 1985, ganó un premio de apreciación de la Unión General de Pintores Árabes. En 1988, el gobierno libanés le otorgó la medalla de las artes. Una exposición retrospectiva organizada por Saleh Barakat se presentó en el Centro de Exposiciones de Beirut en 2011.

El trabajo de Choucair ha sido considerado como uno de los mejores ejemplos del espíritu de abstracción característico del arte visual árabe, completamente desconectado de la observación de la naturaleza e inspirado en el arte geométrico árabe.

Choucair recibió recientemente un prestigioso doctorado honorario de la American University of Beirut (mayo de 2014).

Cumplió 100 años en junio de 2016. Murió el 26 de enero de 2017.

martes, 18 de abril de 2017

Kaimook Chuto homenajeada por Google en el 79 aniversario de su nacimiento.



18 de Abril de 2017
Kaimook Chuto homenajeada por Google en el 79 aniversario de su nacimiento.

Google celebra el 79 aniversario del nacimiento de la escultora Kaimook Chuto en su web de Tailandia

Kaimook Chuto nació el 18 de abril de 1938 en Tailandia. Escultora, considerada la primera escultora tailandesa.

Hija de Joti Shooto Director General del Departamento de música de Tailandia. Estudió en una escuela cercana a su casa, al terminar secundaria estudió pintura y escultura en la Universidad de las Artes de Silpakorn.

Después de su graduación, comenzó a trabajar en el Departamento de Bellas Artes en la sección de reparación y organización de carteles, folletos y libros que compaginaba con la escultura, renunció a trabajar para un cliente de la compañía Limited Partners. Fue Jefe del Departamento de Arte durante dos años.



martes, 31 de enero de 2017

Edmonia Lewis homenajeada por Google



1 de Febrero de 2017
Edmonia Lewis homenajeada por Google

Google homenajea mañana a la escultora americana Edmonia Lewis en sus páginas web de: Argentina, Canadá, Chile, Estados Unidos, Grecia, Islandia, Perú, Portugal, Singapur y Uruguay.

Edmonia Lewis nació alrededor de 1844 en Greenbush, Nueva York (Estados Unidos). Escultora estadounidense. La primera mujer de ascendencia afroamericana y nativa americana en alcanzar fama internacional y reconocimiento como escultora en el mundo de las bellas artes.

Su primer éxito comercial notable fue un busto del Coronel Robert Gould Shaw. Las ventas de copias del busto le permitieron viajar a Roma, (Italia) donde dominó el trabajo en mármol. Rápidamente alcanzó el éxito como escultora.

Poco se sabe sobre sus inicios, Lewis afirmó diferentes años de nacimiento a lo largo de su vida, pero la investigación parece indicar que nació alrededor de 1844 en el norte de Nueva York. Estudió en el Oberlin College en Ohio, gracias al parecer, al apoyo y el estímulo de un hermano mayor.

Viajó a Boston, haciéndose amiga del abolicionista William Lloyd Garrison y del escultor Edward A. Brackett. Fue Brackett quien la inició en la escultura y ayudó a impulsarla a montar su propio estudio. A principios de la década de 1860, sus medallones de arcilla y yeso de Garrison, John Brown y otros líderes abolicionistas le dieron su primer éxito comercial.

En 1864, Lewis creó un busto del Coronel Robert Shaw, un héroe de la Guerra Civil que había muerto dirigiendo el 54 Regimiento de Massachusetts. Esta fue su obra más famosa hasta la fecha y el dinero que ganó con la venta de copias del busto le permitió viajar a Roma (Italia).

En Italia, Lewis continuó su trabajo, con temas que reflejaban la vida afroamericana, influido por un devoto catolicismo. Una de sus obras más preciadas fue "Forever Free" (1867), una escultura que representa a un hombre de color y una mujer que emergen de los lazos de la esclavitud. Otra pieza, "The Arrow Maker" (1866), se basa en sus raíces nativo-americanas y muestra a un padre enseñando a su hija pequeña cómo hacer una flecha. Además de sus piezas religiosas, Lewis creó bustos de líderes estadounidenses como Ulysses S. Grant y Abraham Lincoln.

Tal vez su obra más famosa fue una representación de la reina egipcia Cleopatra, titulado "La muerte de Cleopatra". Recibió elogios de la crítica cuando la mostró en la Exposición de Filadelfia en 1876 y en Chicago dos años después, la escultura de dos toneladas de peso nunca volvió a Italia con su creadora, porque Lewis no podía permitirse los gastos de envío. Fue almacenada y sólo se redescubrió varias décadas después de su muerte.

Al igual que en su infancia, los últimos años de su vida están envueltos en misterio. Hasta la década de 1890, continuó exhibiendo su trabajo e incluso fue visitada por Frederick Douglass en Roma, pero poco se sabe sobre la última década de su vida. Se especuló que Lewis pasó sus últimos años en Roma, pero el reciente descubrimiento de documentos de la muerte indican que murió en Londres, Inglaterra, en 1907.

Sus piezas son ahora parte de las colecciones permanentes de la Galería de Arte de la Universidad de Howard y el Smithsonian American Art Museum.