Bahiga Hafez homenajeada por Google en el 112 aniversario de su nacimiento.

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4 de agosto de 2020

Bahiga Hafez homenajeada por Google en el 112 aniversario de su nacimiento.

Google homenajea en su web de: Marruecos, Argelia, Túnez, Libia, Egipto, Líbano, Jordania, Irak, Arabia Saudí, Catar, Emiratos Árabes Unidos y Omán, a la actriz, productora, directora, editora, diseñadora de vestuario y compositora Bahiga Hafez al cumplirse el 112 aniversario de su nacimiento. El logo lo ha realizado la ilustradora invitada Mariam ElReweny.

Bahiga Hafez nació el 4 de agosto de 1901 en Alejandría, (Egipto). Actriz, compositora, directora y productora de cine, editora y guionista. Conocida como un talento prodigioso tanto en cámara como detrás de escena y ayudó a llevar a la pantalla grande, algunos de los primeros largometrajes de Egipto.

Inició su carrera en el mundo del entretenimiento estudiando música en El Cairo, trasladándose después a la ciudad de París para formarse en composición musical y piano. Recibió educación en varios idiomas francés y árabe, entre otros.

Después de regresar a Egipto vivió en El Cairo donde fundó un salón de lectura y publicó un álbum titulado Bahiga que recibió buena crítica en la época. Su carrera pronto dio un giro cuando fue elegida protagonista femenina en la película "Zeinab" (1930), para la cual también compuso la banda sonora.

Hafez produjo y dirigió numerosas películas durante las siguientes dos décadas y más tarde estableció un influyente salón cultural en El Cairo para apoyar a la comunidad artística de la ciudad. Su trabajo ayudó a allanar el camino para el comienzo de lo que se considera la edad de oro del cine egipcio en la década de 1940, y se la representa en el logo de Google de hoy con un disfraz inspirado en los numerosos diseños en esta época del cine.

Después de pasar varios años alejada de las pantallas, Hafez fue convencida por el director Salah Abou Seif para formar parte del elenco de su película el Qâhirah talâtîn (1966). Dicha actuación fue la última aparición de Bahiga en la gran pantalla. Por desgracia, mucho de su trabajo como directora se perdió con el tiempo y solo quedan menciones de su obra.

La versión original de "al-Dahaya" fue redescubierta en 1995 y mostrada en el Festival Nacional de Cine de El Cairo, presentando a una nueva generación el trabajo de Hafez.

Falleció en 1983 en El Cairo (Egipto).

Tatyana Lioznova homenajeada por Google en el 96 aniversario de su nacimiento.

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20 de Julio de 2020

Tatyana Lioznova homenajeada por Google en el 96 aniversario de su nacimiento.

Google homenajea en su web de Rusia a la directora de cine, guionista y profesora rusa Tatyana Lioznova al celebrarse el 96 aniversario de su nacimiento. El logo de Google de hoy, ha sido ilustrado por la artista invitada con sede en Moscú Sveta Mullari.

Tatiana Mijaílovna Lióznova nació en Moscú (Rusia) el 20 de julio de 1924. Directora de cine soviética conocida por la serie de televisión Diecisiete instantes de una primavera de 1973. Fue nombrada Artista del pueblo de la URSS en 1984 y recibió el premio estatal Hermanos Vasíliev de la RSFSR en 1976. a través de su trabajo exploró temas como la alienación y la perseverancia, a menudo inspirados en su vida personal.

Se graduó en la escuela de cine más antigua del mundo, la Universidad Estatal de Cinematografía All-Union, o VGIK.

Lioznova abrió nuevos caminos como directora, una profesión poco frecuente en mujeres en Rusia en ese momento. Hizo su debut como directora en 1958 con "The Memory of the Heart" y vio el éxito a nivel nacional con el romance de 1967 "Three Poplars at Plyushchikha".

Lioznova alcanzó nuevas cotas de fama con su popular serie de 12 cápitulos "Diecisiete momentos de la primavera". La serie, que inspiró el logo de hoy, al lado derecho de Lioznova, tiene lugar durante la Segunda Guerra Mundial y sigue al protagonista Maxim Isayev, un espía soviético ficticio a menudo comparado con su homólogo británico James Bond. En el lado izquierdo del logo, se hace referencia a la exitosa película de 1982 "Carnival", una comedia musical que ella escribió y dirigió.

Regresó a su alma mater VGIK y enseñó talleres sobre actuación y dirección a una nueva generación de cineastas rusos. En honor a sus contribuciones al cine ruso, fue nombrada Artista del Pueblo de la URSS en 1984. Fue miembro del Comité Antisionista del Público Soviético desde 1983 hasta el cierre del mismo en 1994.

Falleció a los 87 años de edad en septiembre de 2011 luego de una larga enfermedad.

Amaka Igwe homenajeada por Google en el 57 aniversario de su nacimiento.

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2 de enero de 2020

Amaka Igwe homenajeada por Google en el 57 aniversario de su nacimiento.

Google homenajea en su web de Nigeria a la escritora, Directora de cine, empresaria y productora nigeriana Amaka Igwe. El logo lo ha realizado la dibujante invitada Amaka Igwe.

Amaka Igwe nació el 2 de enero de 1954 en Enugu, (Nigeria). Cineasta nigeriana y ejecutiva de radiodifusión. Dueña de Top Radio 90.9 Lagos y Amaka Igwe Studios. Reconocida como una de las cineastas de segunda generación que ayudó a comenzar la era de las películas de video del cine nigeriano.

A una edad temprana, mostró un profundo interés en las artes escénicas, ya que organizó los espectáculos de variedades de su escuela, enseñó danza de interpretación, así como también escribió, actuó y dirigió obras de teatro.

Durante sus estudios de posgrado, Igwe comenzó a centrarse en el teatro y en lo que consideraba su primer regalo: la escritura. Desarrolló su primer guión de serie de televisión, Checkmate, ampliamente considerada la mejor telenovela nigeriana de la década de 1990.

Esto llevó a su debut como directora en el largometraje Rattlesnake (1995), un gran éxito en su país de origen, seguido de películas como Violated (1995) y A Barber's Wisdom (2001), que ayudó a establecer un estándar de producción más alto para "Nollywood" en ese momento. Escribió y dirigió la exitosa Fuji House of Commotion (2001-2012), que le dio el dominio de la industria de las series de televisión nacionales.

Apasionado por el crecimiento de la industria local, Igwe también ayudó a organizar el sistema de gremios que sirvió a las juntas ejecutivas de la Asociación de Productores de Películas, y también fue patrocinador de la Asociación Nacional de Cinematógrafos, el Gremio de Guionistas y el Gremio de Editores de Películas.

Como defensora de la distribución local eficiente como base para el crecimiento de Nollywood, Igwe y su socio comercial también organizaron un sistema de distribución de mercado mejorado y ayudaron a mejorar la calidad y la equidad en la industria.

A nivel internacional, Igwe dirigió delegaciones a Sudáfrica, Reino Unido, Estados Unidos y Francia, entre otros países, para presentar el enfoque nigeriano único para la narración visual, lo que propaga la conciencia global de Nollywood.

También cofundó la African Film and Media Content Expo, BOBTV, con Big Picture Limited, con el objetivo de proporcionar una plataforma global para las industrias creativas de Nigeria. Durante 11 años, presentaron BOBTV al mundo, involucrando a más de 400 departamentos de 104 universidades nigerianas, así como a los profesionales de la industria cinematográfica y al gobierno de Nigeria a través de sus agencias.

Consolidándose como una matriarca de Nollywood, Igwe desarrolló un imperio mediático al cofundar una compañía de producción, una estación de radio y una red de televisión. Amaka Igwe será recordada como una talentosa narradora, productora, directora, pionera de Nollywood, esposa y madre de tres hijos.

En 2011, fue nombrada miembro de la Orden de la República Federal de Nigeria (MFR), un premio que honra a los nigerianos que hicieron contribuciones significativas a la nación.

Falleció el 28 de abril de 2014

88.º aniversario del nacimiento de Jacques Demy

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5 de junio de 2019

Jacques Demy homenajeado por Google en el 88 aniversario de su nacimiento.

Google homenajea en su web francesa al Director de Cine Jacques Demy al cumplirse el 88 aniversario de su nacimiento. El logo lo ha realizado la diseñadora de Google Sophie Diao.

Jacques Demy nació en Pontchâteau, cerca de Nantes, en Loire-Atlantique el 5 de junio de 1931. Cineasta francés, uno de los más destacados representantes de la Nouvelle vague. Dentro de este movimiento, su obra es bastante inusual, ya que no se interesó demasiado por la experimentación formal, como Alain Resnais, ni por la agitación política, como Jean-Luc Godard. Entre sus obras hay musicales (género en el que alcanzó éxito internacional, sobre todo con la película Los paraguas de Cherburgo), cuentos de hadas y homenajes a la edad dorada de Hollywood. Su mundo tiene ciertas similitudes con el de otro gran cineasta de la Nouvelle Vague, François Truffaut.

Tras haber trabajado con el animador Paul Grimault y el cineasta Georges Rouquier, Demy dirigió su primer largometraje, Lola, en 1960, con Anouk Aimée en el papel de la cabaretera que da nombre a la película. En ella están ya presentes los rasgos que definirán su peculiar sello personal: la importancia de la música (gracias a su colaboración con Michel Legrand); la apropiación de la imaginería hollywoodense; la importancia del destino en la trama; y la ambientación en la costa atlántica francesa, en que el cineasta pasó su juventud (la acción de Lola se desarrolla en Nantes).

Su segunda película, La Baie des Anges (1962), protagonizada por Jeanne Moreau, retoma el tema del destino, con su historia de amor y mesas de ruleta.

El tercer filme que dirigió, Los paraguas de Cherburgo (Les Parapluies de Cherbourg, 1964), fue un gran éxito internacional, y obtuvo, entre otros galardones, la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Aunque no pudo recuperar del todo la brillantez de sus tres primeras películas, su cine posterior se caracteriza por una búsqueda constante. Las señoritas de Rochefort (Les Demoiselles de Rochefort, 1967), un nuevo musical protagonizado por Catherine Deneuve, junto con su hermana Françoise Dorléac, contiene algunas de las mejores canciones francesas de la época, y cuenta en su reparto con la gran estrella de musicales de Hollywood Gene Kelly.

El personaje de Lola vuelve a aparecer en la experimental Model Shop (1969), la primera película que rodó en Estados Unidos. La piel de asno (La Peau d'Ane, 1970) es una versión literal, aunque visualmente extravagante, de un cuento de hadas de Charles Perrault, de nuevo protagonizada por Deneuve.

Jacques Demy falleció el 27 de octubre de 1990 (59 años).

Tareque Masud homenajeado por Google en el 62 aniversario de su nacimiento.

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6 de Diciembre de 2018

Tareque Masud homenajeado por Google en el 62 aniversario de su nacimiento.

Google homenajea en su web de Bangladés al director de cine Tareque Masud al cumplirse el 62 aniversario de su nacimiento.

Tareque Masud nació en Bhanga Upazila, Faridpur, (Pakistán Oriental) el 6 de diciembre de 1956. Galardonado director de cine independiente de Bangladés. Conocido por dirigir las películas Muktir Gaan de 1995 y Matir moina de 2002, por la que ganó varios premios internacionales, incluyendo el Premio FIPRESCI por Matir moina y el Premio a la Administración de la Crítica Internacional en la quincena del Festival de Cine de Cannes de 2002.

Masud fue educado en una madraza de Bangladesh (escuela musulmana). Tras la independencia de Bangladesh en 1971, se convirtió en parte del movimiento de la sociedad cinematográfica, se licenció en historia de la Universidad de Dhaka.

Sus primeras películas fueron documentales que contaron la historia de su tierra natal, comenzando con Adam Surat (Fuerza Interna) de 1989 sobre el pintor de Bangladesh Sheikh Mohammed Sultan. Su clásico documental de 1995 Muktir Gaan (Canción de la libertad) sobre el movimiento de independencia en Bangladesh obtuvo a grandes audiencias.

La educación de Masud en el este de Pakistán inspiró su primer largometraje, The Clay Bird. Los Masud invirtieron todos sus ahorros en completar la película, que ganó un premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cine de Cannes de 2002.

Miembro fundador del Short Film Forum, una importante plataforma para el cine independiente, Masud también organizó el primer Festival Internacional de Cortometrajes y Documentales de Bangladesh, que continúa hasta el día de hoy. Para honrar aún más su legado, el Tareq Masud Memorial Trust lanzó el Concurso de cortometrajes Tareque Masud, alentando a una nueva generación de cineastas bengalíes a seguir sus pasos.

Murió en un accidente de tráfico el 13 de agosto de 2011, mientras regresaba de Dhaka Manikganj en la autopista Dhaka-Aricha después de visitar un lugar de rodaje.

James Wong Howe homenajeado por Google en su web de Estados Unidos.

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25 de Mayo de 2018

James Wong Howe homenajeado por Google en su web de Estados Unidos.

Google homenajea en su web de Estados Unidos al cineasta James Wong Howe

James Wong Howe nació en Taishan (China), 28 de agosto de 1899. Cineasta chino estadounidense, que trabajó en más de 130 películas. Se especializó en el uso de sombras y en el enfoque profundo, lo cual permite que tanto el primer plano como el lejano permanezcan enfocados, siendo uno de los primeros en utilizarlo.

Entre 1930 y 1940, fue uno de los cineastas más renombrados de Hollywood. Fue nominado en 10 ocasiones a Premios Óscar y ganó en dos de ellas por La rosa tatuada (1955) y Hud (1963). Según una encuesta realizada por la International Cinematographers Guild de los Estados Unidos, es uno de los diez cineastas más influyentes de todos los tiempos.

Nació en China pero su familia se trasladó en 1904 a Estados Unidos donde su padre había conseguido trabajo en el Ferrocarril del Pacífico Norte.

Google Planeó este mismo Logo en honor a James Wong Howe en los EE. UU. El año pasado. Sin embargo, cuando el huracán Harvey azotó el sur de los Estados Unidos, no lo pusieron por respeto a los esfuerzos de socorro. Pero Howe dejó una marca tan indeleble en el cine estadounidense que decidieron hacer el logo este año, en el aniversario del lanzamiento de una de sus obras más notables, The Thin Man (1934) y también justo a tiempo para la celebración del Mes de la Herencia Asiática Estadounidense de las Islas del Pacífico.

A lo largo de su carrera, usó iluminación, encuadre y movimiento mínimo de la cámara para expresar emociones. Descubrió accidentalmente cómo usar telones de fondo oscuros para crear matices de color en una película en blanco y negro. Fue pionero en el uso de lentes de gran angular, iluminación de bajo nivel e iluminación de color.

Falleció en Hollywood, 12 de julio de 1976

Chantal Akerman homenajeada por Google.

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14 de Mayo de 2018

Chantal Akerman homenajeada por Google.

Google homenajea en su web de Alemania a la cineasta Chantal Akerman en su web de Bélgica que debutó tal día como hoy en 1975.

Chantal Akerman nació en Bruselas el 6 de junio de 1950. Directora de cine belga, artista y profesora de cine en la European Graduate School. Sus películas están basadas en observaciones sobre la vida cotidiana, la necesidad de comer, la sexualidad, el aislamiento y la política de exclusión en el siglo XX. Se dio a conocer más al público con el film Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975), donde ejemplifica su modo de evadir la narrativa convencional.

Akerman nació en el seno de una familia judía practicante. Sus abuelos y su madre fueron enviados a Auschwitz; solo se salvó su madre. La ansiedad materna y el exilio serán temas recurrentes en su filmografía.

Akerman señaló que a los 15 años, tras ver Pierrot le fou (1965) de Jean-Luc Godard, decidió rodar ella misma. A los 18 entró en el Institut National Supérieur des Arts du Spectacle et des Techniques de Diffusion, centro de enseñanza de cinematografía belga.

Enseguida, lo abandonó, y Akerman hizo un cortometraje de 35mm en B/N, con sus ahorros: Saute ma ville (1968), dura 13 minutos y tiene como protagonista a una joven (ella misma como actriz) y su relación conflictiva con las cosas cotidianas. En 1971, fue premiada Saute ma ville en el festival de Oberhausen. Ese mismo año se trasladó a Nueva York, donde estuvo hasta 1972. Vio cine independiente, especialmente de Stan Brakhage, Jonas Mekas, Andy Warhol y Michael Snow. Obras de 1972, como Hotel Monterey y cortos como La Chambre 1 y La Chambre 2, revelan su nuevo aprendizaje. Inició entonces una colaboración con la cineasta Babette Mangolte.

En 1973, Akerman regresó a Bélgica. En 1974, fue reconocida por la crítica con su Je tu il elle, película experimental sobre la agresión. Su manifiesto es un clásico moderno. Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles (1975), alabado por el New York Times como "la primera obra maestra de lo femenino en la historia del cine"; trata de una eficiente ama de casa que se ve obligada a prostituirse para poder vivir con su hijo. Muy pronto, en 1978, concluyó Las citas de Anna, que es un film asimismo destacado por su belleza y precisión.

Desde entonces filmó, entre otras películas: La mudanza (1992), Contra el olvido (1992), Retrato de una joven a finales de los sesenta en Bruselas (1993), Un diván en Nueva York (o Romance en NY', 1996) o Del otro lado (2002), aparte de sus colaboraciones con Eric de Kuyper y otros filmes vinculados temáticamente con el exilio y la falta de comunicación.

Akerman siempre rechazó, pese al carácter escogido de su obra, que su cine se esconda en guetos. En 2011, presentó su versión de la novela de Joseph Conrad, La locura de Almayer. Ha sido una de las cineastas más originales de la modernidad europea (en otro registro que Agnés Varda, mayor que ella).

Además trabajó destacadamente como actriz en varios de sus filmes y escribió cuatro libros: Hall de Nuit (1997); Une famille à Bruxelles (1998); Autoportrait, (2004), excelente autorretrato como cinasta; y Ma mère rit(2013), donde aparece su trama familiar y sus vivencias complejas con la herencia materna. Su escritura es precisa y clara.

Google realiza un Homenaje muy especial a Georges Méliès

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3 de Mayo de 2018

Google realiza un Homenaje muy especial a Georges Méliès

Google homenajea hoy en todo el mundo al cineasta francés Georges Méliès con El primer logo interactivo de 360° y realidad virtual (VR), fruto de la colaboración entre los equipos de Google Spotlight Stories, Google Arts & Culture y de la Cinémathèque française, va dedicado a Georges Méliès, el innovador director de cine e ilusionista francés, para conmemorar la fecha de lanzamiento de la que se considera una de sus mejores obras maestras: À la conquête du pôle (A la conquista del polo, 1912). Méliès lideró muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía, entre los que destacan el uso de efectos especiales y la creación de algunas de las primeras películas de ciencia ficción.

Descarga la aplicación Google Spotlight Stories de Google Play o del App Store y disfruta del logo de hoy a través de una experiencia de realidad virtual en el móvil, en Cardboard o en Daydream. O disfruta del logo de Google en formato de vídeo en 360° y sin auriculares en el canal de YouTube de Google Spotlight Stories.

Más de cien años después, podemos dar las gracias a la mente innovadora de Georges Méliès por gran parte de las maravillas y de los efectos especiales del cine que vemos hoy en nuestras pantallas. El título de una de sus películas, L'Homme Orchestre (El hombre orquesta, 1900), refleja perfectamente todo lo que fue: dibujante, pintor, caricaturista, ilusionista, director del teatro Robert-Houdin, escenógrafo, humorista, escritor, actor, técnico, amante de la fantasía, visionario de más de 500 películas y propietario del primer estudio acristalado diseñado específicamente para el cine. Participó en todos y cada uno de los aspectos de producción de sus obras: desde dibujar los conceptos de la escenografía hasta dirigir al reparto.

La contribución de Méliès al séptimo arte fue toda una revolución. En una época en la que el cine empezaba a dar sus primeros pasos y prácticamente solo tenía fines documentales, Méliès abrió las puertas del sueño, de la magia y de la ficción con una sola mano combinando los universos de Robert-Houdin con la cronofotografía y la cinematografía de Marey y de los hermanos Lumière. Todo el conjunto de obras de Méliès brilla por su fantasía dinámica, su imaginación sin límites y su alegría irresistible. Los mundos que creó eran intensos, una mezcla única de fantasmagoría, perversidad, trampantojos, ilusiones, llamas, humo y vapor.

En numerosas ocasiones, Méliès se inspiró en hechos reales de la época. Por ejemplo, de su película À la conquête du pôle (A la conquista del polo, 1912) se puede extraer una interpretación cómica y mágica de las entonces recientes expediciones de Amundsen y sus desafortunados rivales. Incluso llegó a construir un "gigante de las nieves" para la película en su estudio acristalado de Montreuil, gigante cuya sola cabeza ya medía dos metros.

Asimismo, Méliès demostró ser un auténtico visionario. Su película Le Voyage dans la Lune (Viaje a la Luna, 1902) es una maravillosa predicción paródica de la llegada del hombre a la Luna, que acabó teniendo lugar 67 años después. Del mismo modo, con Le tunnel sous la Manche ou le Cauchemar franco-anglais (El túnel bajo el canal de la Mancha, 1907), predijo la perforación del túnel del canal mucho antes de que se hiciera realidad. También imaginó y dio forma a varias innovaciones científicas de su época: construyó su propio eclipse solar con la maquinaria del estudio en L'éclipse du soleil en pleine lune (El eclipse: el cortejo entre el Sol y la Luna, 1907), se burló de la medicina moderna en Hydrothérapie fantastique (El secreto del doctor, 1909), montó una planta de energía eléctrica para la escenografía de À la conquête du pôle (A la conquista del polo, 1912) e imaginó la televisión del futuro en Photographie électrique à distance (Fotografía eléctrica a distancia, 1908) muchos años antes.

Méliès, que era un actor increíblemente ágil y un mimo extraordinario, también protagonizó casi todas sus películas. En algunas ocasiones, incluso llegó a multiplicarse en el escenario, como en L'Homme Orchestre (El hombre orquesta, 1900), donde se ven a siete Méliès en el mismo fotograma. Gracias a un truco óptico, incluso hinchó su cabeza hasta hacerla explotar en L'homme à la tête en caoutchouc (El hombre de la cabeza de goma, 1902).

Los dos ejemplos anteriores nos llevan a otra de las principales contribuciones de su mente innovadora: los efectos especiales. La magia que caracteriza hoy en día a George Lucas y Steven Spielberg no hubiera sido posible sin la gran variedad de técnicas que desarrolló Méliès: maquinaria escenográfica, pirotecnia, efectos ópticos, dropouts horizontales y verticales, obturación de la cámara, encadenados y sobreimpresiones, además de trucos y efectos de montaje o de color.

A Méliès le fascinaban las nuevas tecnologías, por lo que siempre andaba detrás de algún nuevo invento. Me imagino que le hubiera encantado vivir en nuestra época, ya que la experiencia cinematográfica es completamente inmersiva y está llena de efectos digitales e imágenes espectaculares. Estoy seguro de que le hubiera halagado ver sus obras en el primer logo de Google en vídeo de 360° y realidad virtual, impulsado por todo el mundo gracias a un nuevo medio con poderes mágicos ilimitados.

Dadasaheb Phalke homenajeado por Google en el 148 aniversario de su nacimiento

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30 de Abril de 2018

Dadasaheb Phalke homenajeado por Google en el 148 aniversario de su nacimiento

Google homenajea en sus web de Canadá, India, Australia y Nueva Zelanda al productor y director de cine Dadasaheb Phalke al celebrarse el 148 aniversario de su nacimiento.

Dhundiraj Govind Phalke, popularmente conocido como Dadasaheb Phalke nació el 30 de abril de 1870 en Trimbakeshwar, a 30 km de Nashik (India). Productor, director y guionista de cine indio, considerado el padre del cine de la India. Empezando con su ópera prima, Raja Harishchandra (1913), basada en la vida de Jarischandra según el Mahabharata y el Ramayana y conocida en la actualidad como el primer largometraje indio, produjo 95 películas y 26 cortometrajes en su carrera de 19 años hasta 1937. Entre sus trabajos más notables se encuentran Mohini Bhasmasur (1913), Satyavan Savitri (1914), Lanka Dahan (1917), Shri Krishna Janam (1918) y Kaliya Madan (1919).

El Gobierno de la India instituyó en su honor el Premio Dadasaheb Phalke en 1969 que, en la actualidad, es el mayor premio en el cine de la India. Es otorgado por la contribución al cine durante toda una vida.

En 1885, se inscribió en la Escuela de arte Sir J. J. en Bombay. Tras terminar el curso en 1890, Phalke fue al Kala Bhavan en Vadodara, donde estudió escultura, diseño industrial, pintura y fotografía.

Phalke comenzó su carrera como un fotógrafo de un pueblo pequeño en Godhra, pero debió abandonar el negocio tras la muerte de su primera esposa e hijo en un brote de peste bubónica. Al poco tiempo, conoció al mago alemán Carl Hertz, uno de los 40 magos empleados por los Hermanos Lumière.

Poco después, tuvo la oportunidad de trabajar en una expedición arqueológica de India como dibujante. Luego, volvió al empleo de las impresiones, especializándose en las litografías y en las oleografías. Primero, trabajó para el pintor Ravi Varmâ y, luego, empezó su propia empresa e hizo su primer viaje al extranjero a Alemania para aprender sobre los últimos avances tecnológicos y máquinas disponibles.

Tras una disputa con sus socios sobre el manejo de la empresa, abandonó la impresión y se dedicó a la cinematografía tras ver una película muda, La vida de Cristo, e imaginar dioses hindúes en la pantalla. Produjo su primera película, Raja Harishchandra, en 1912, la cual fue mostrada en público por primera vez el 3 de mayo de 1913 en el Coronation Cinema de Bombay. Esta película marcó en efecto el inicio de la industria cinematográfica de la India. Alrededor de un año antes, Ramchandra Gopal (conocido como Dadasaheb Torne) había presentado su película Pundalik en la misma sala; sin embargo, el crédito de haber producido el primer largometraje indio es atribuido a Dadasaheb Phalke.

Falleció el 16 de febrero de 1944

Usmar Ismail homenajeado por Google en el 97 aniversario de su nacimiento

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20 de marzo de 2018

Usmar Ismail homenajeado por Google en el 97 aniversario de su nacimiento

Google homenajea mñana en su web de Indonesia al director de cine Usmar Ismail al cumplirse el 97 aniversario de su nacimiento.

Usmar Ismail nació el 20 de marzo de 1921 en Bukittinggi (Indonesia). Prominente director de cine indonesio, descendiente de Minangkabau. Considerado como el primer director de cine nativo de Indonesia, aunque las películas realizadas por los holandeses datan de alrededor de 1926.

Él fue quizás mejor conocido internacionalmente por su película de 1961 Fighters for Freedom que documentó la independencia de Indonesia de los holandeses y los franceses. La película fue presentada en el 2 ° Festival Internacional de Cine de Moscú.

Ismail sirvió inicialmente en el ejército durante la ocupación holandesa. Más tarde, siguiendo su sueño de convertirse en director de cine, fundó "Perfini Studios", los primeros estudios cinematográficos de Indonesia, a principios de los años cincuenta.

A Ismail se le atribuye la tarea de sembrar las semillas del crecimiento del teatro y el cine en Indonesia. Su propio estudio de cine, Perfini, produjo varios clásicos aclamados por el público, como Pedjuang (1960) y Enam Djam di Djogdja (1951). El logo de mañana presenta imágenes de una de sus obras más famosas, Tiga Dara (1956), que cuenta la historia cómica de las vidas y amores entrelazados de tres hermanas.

Ismail también fue un destacado mecenas de las artes y una fuerza clave detrás de la creación de la Academia Nacional de Teatro en Indonesia. La Sala de Conciertos Usmar Ismail en Yakarta acoge varios conciertos y representaciones teatrales cada año, celebrando así el legado de este ícono cultural y su influencia en la comunidad de artes escénicas de Indonesia.