Oskar Schlemmer homenajeado por Google en el 130 aniversario de su nacimiento.

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4 de Septiembre de 2018

Oskar Schlemmer homenajeado por Google en el 130 aniversario de su nacimiento.

Google homenajea en varios países del mundo

Oskar Schlemmer nació en Stuttgart (Alemania) el 4 de septiembre de 1888. Pintor, escultor y diseñador alemán relacionado con la Escuela de la Bauhaus (primera escuela de diseño del s. XX un movimiento artístico que se convirtió en todo un referente internacional de la arquitectura, el arte y el diseño). Formó parte de la vanguardia artística alemana durante la primera mitad del siglo XX.

Huérfano desde muy joven, Schlemmer fue aprendiz en un taller de marquetería entre 1903 y 1905, mientras asistía a clases en la Kunstgewerbeschule de Stuttgart. Desde 1906 estudió, gracias a una beca, en la Kunstakademie de la misma ciudad y, tras una estancia en Berlín entre 1911 y 1912, volvió a la academia, donde se convirtió en discípulo de Adolf Hölzel, pionero de la abstracción. Allí estableció contacto con Willi Baumeister, que sería amigo suyo el resto de su vida, y con Otto Meyer-Amden y Johannes Itten, entre otros.

El arte de Schlemmer fue tendiendo a la esquematización de sus figuras, que se convirtieron en una variante figurativa del constructivismo. Fue herido en varias ocasiones durante la Primera Guerra Mundial. En 1919, de nuevo en la academia, intentó reformar el sistema educativo y conseguir que Paul Klee fuese contratado como profesor. Sin embargo, ambas tentativas fracasaron.

Su obra más famosa es «Triadisches Ballett» (1922), en el que los actores aparecen disfrazados de formas geométricas. Igualmente en Slat Dance y Treppenwitz, el vestuario de los intérpretes hace de ellos esculturas vivas, como si fueran parte del escenario.

También para el ámbito de la danza hizo el vestuario de "Blonde Marie" con Trudi Schoop en 1938.

En 1923 fue contratado como maestro del taller de teatro. Cuando la Bauhaus se trasladó a Dessau, creó teatros de ensayo.

Sus cartas privadas, especialmente las dirigidas a Otto Meyer y Willi Baumeister, y su diario personal han dado valiosas referencias de lo que ocurría en la Bauhaus. Especialmente, habla de cómo el personal y los estudiantes reaccionaban a los muchos cambios y desarrollos que ocurrían en la escuela.

Falleció el 13 de abril de 1943 en Baden-Baden (Alemania).

Ludwig Sütterlin homenajeado por Google en el 153 aniversario de su nacimiento.

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23 de Julio de 2018

Ludwig Sütterlin homenajeado por Google en el 153 aniversario de su nacimiento.

Google homenajea en su web de Alemania al diseñador Ludwig Sütterlin en el 153 aniversario de su nacimiento.

Ludwig Sütterlin nació el 23 de julio de, 1865 en Lahr, en el Bosque Negro (Alemania). Diseñador gráfico, diseñador de tipos y educador. Creó el diseño de la escritura Sütterlin, impuesta en el año 1930 como obligatoria en las escuelas primarias de Alemania.

Sütterlin se mudó con 23 años desde su ciudad Lahr en el Bosque Negro a Berlín. En el Museo de Artes Decorativas de Berlín, era ayudante del artista gráfico Emil Dopler, que diseñó la entonces nueva águila imperial alemana, y pintor de historia Max Friedrich Koch. Sütterlin creó diseños para carteles, vidrios y marroquinería. En 1902, diseñó los magníficos volúmenes de los hitos de la literatura mundial en escritos originales, lo que le valió su éxito como diseñador. Fue profesor en el Real Museo de Artes Decorativas de Berlín, posterior Escuela Estatal de Bellas Artes Aplicadas, donde dirigió también cursos de escritura artística.

En 1911 Ludwig Sütterlin desarrolló en nombre del Ministerio de Cultura, la escritura cursiva alemana habitual, hasta la fecha se utilizaba la Prusia (también llamada "firma esquina", modificada en 1911) un sistema simplificado alemán, que fue influenciado por el Art Nouveau.

Sütterlin desarrolló un estilo de escritura que sería más fácil para los principiantes para usar especialmente con el bolígrafo de acero, una invención moderna que reemplazó rápidamente a las plumas de pluma de ganso empapadas en tinta. Sin duda, los estudiantes jóvenes se regocijaron con las letras simples, la reducción de las manchas y las reprimendas de los maestros. La caligrafía alemana se popularizó a partir de la publicación en 1911 del diseño que hizo Ludwig Sütterlin.

Constituye una forma especial de la caligrafía Kurrent. Este diseño empezó a sustituir la Kurrent en la enseñanza primaria en las escuelas de Alemania en los años 1920, se impuso como obligatorio en 1935 y fue prohibido en 1941 por las autoridades nazis.

Sütterlin también fue un prolífico artista gráfico y artesano que diseñó cristalería Art Deco, promociones icónicas como el "Cartel Martillo" para la Feria de Comercio de Berlín de 1896 y marcas notables como la "Diosa de la Luz" para la compañía eléctrica AEG.

  

Meret Oppenheim homenajeada por Google en el 104 aniversario de su nacimiento.

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06 de Octubre de 2017

Meret Oppenheim homenajeada por Google en el 104 aniversario de su nacimiento.

Google Celebra en su web de Alemania el 104 aniversario del nacimiento de la fotógrafa y diseñadora Meret Oppenheim. El logo de hoy ha sido realizado por la artista invitada Tina Berning y representa una de sus obras más conocidas “Object”.

Meret Oppenheim nació el 6 de octubre de 1913 en Charlottenburg (Alemania). Artista y fotógrafa suiza nacionalizada alemana, que se encuadró en el movimiento surrealista.

Nació en el barrio berlinés de Charlottenburg, su padre era alemán y su madre suiza, con 16 años comenzó a estudiar pintura y con 19 años se trasladó a París a continuar sus estudios en la Académie de la Grande Chaumière. En esta ciudad conoció a Alberto Giacometti y Jean Arp que le invitaron a participar en la exposición surrealista del Salón des surindépendants, donde conoció a André Breton, Max Ernst y Man Ray. Para este último posó como modelo en varias de sus fotografías de desnudos más conocidas.

En 1936 realizó su obra más conocida: «Juego de desayuno de piel» que llegó a ser uno de los objetos más conocidos del surrealismo y fue comprado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En 1945 conoció a Wolfgang La Roche con el que se casó cuatro años después instalándose en Berna. En 1954 regresó a la actividad artística con el diseño del vestuario de la obra teatral de Picasso «Le Désir attrapé par la queue (El deseo cogido por la cola)» que realizó Daniel Spoerri y se estrenó en Berna.

A partir de los años ochenta comienza publicar escritos, así en 1981 editó Sansibar que es un conjunto de poemas, en 1984 colabora con la revista de arte Trou publicando un artículo sobre la fuente de Symbol des Wachsens und des Lebens de Berna, y poco después publicó otra serie de poemas con el título Husch, husch, der schönste Vokal entleert sich.

Sus obras más valoradas son: «Juego de desayuno de piel», 1936; «Mi enfermera», 1936; «Mesa con patas de aves», 1939; «Miss Gardenia» y «La ardilla», 1959. Tras su muerte de un ataque al corazón el 15 de noviembre de 1985, se realizaron varias exposiciones colectivas y retrospectivas de su trabajo pero el mayor homenaje es la existencia del Premio Meret Oppenheim que otorga anualmente la «Oficina suiza de cultura» a artistas de más de cuarenta años

Eiko Ishioka homenajeada por Google en el 79 aniversario de su nacimiento.

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12 de Julio de 2017

Eiko Ishioka homenajeada por Google en el 79 aniversario de su nacimiento.

Google homenajea en sus páginas web de Australia, Bielorrusia, Canadá, Chile, Croacia, Estonia, Grecia, Islandia, Indonesia, Irlanda, Japón, Lituania, Nueva Zelanda, Perú, Portugal, Rusia, Serbia, Singapur, Corea del Sur, Ucrania, Reino Unido, Estados Unidos y Uruguay, a la diseñadora de vestuario japonesa Eiko Ishioka en el 79 aniversario de su nacimiento.

Eiko Ishioka nació en Tokio (Japón) el 12 de julio de 1938. Diseñadora de vestuario japonesa destacada en el mundo cinematográfico. Desde los anuncios impresos y las portadas de los discos hasta los disfraces para el cine, el teatro y los Juegos Olímpicos, la icónica diseñadora japonesa lo hizo todo durante sus décadas de carrera.

La carrera profesional de Eiko Ishioka comenzó tras graduarse de la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio, dedicándose al diseño gráfico y a la publicidad en Japón. Trabajó en el área de publicidad de la empresa de cosméticos Shiseido, y posteriormente para la cadena de grandes almacenes Parco.

Su primera incursión en el cine vino de la mano de Paul Schrader, quien la contactó para que se encargara del diseño de Mishima. Una vida en cuatro capítulos. Gracias a su trabajo, la diseñadora recibió un reconocimiento en el Festival de Cine de Cannes por su "contribución artística", junto al director de fotografía John Bailey y el compositor Philip Glass. En 1987 obtuvo un premio Grammy en la categoría de mejor presentación de grabación por su diseño de la portada del álbum Tutu de Miles Davis.

En 1988 diseñó la escenografía y vestuario de la obra de teatro M. Butterfly, siendo nominada a dos premios Tony.

En 1992 trabajó en el vestuario de la película Drácula de Bram Stoker, dirigida por Francis Ford Coppola. Gracias a su labor en aquella cinta obtuvo un premio Óscar en la categoría de mejor diseño de vestuario. Ishioka había colaborado anteriormente con Coppola en 1979, cuando diseñó una serie de afiches japoneses para su película Apocalypse Now (1979), y en 1987 colaboró en el arte conceptual del episodio "Rip Van Winkle" que Coppola dirigió para la serie de televisión Faerie Tale Theatre.

En 1996 estuvo a cargo de la dirección artística del espectáculo "Dreams and Nightmares" que el mago David Copperfield realizó en Broadway. Posteriormente, en 2002, dirigió el vídeo musical de la canción "Cocoon" de Björk. Ese mismo año, confeccionó los uniformes de miembros de los equipos de Japón, Suiza, España y Canadá para los Juegos Olímpicos de Salt Lake City. En 2008 diseñó el vestuario de la noche inaugural de los Juegos Olímpicos realizados en Pekín.

Eiko Ishioka diseñó además el vestuario de las cuatro primeras películas de Tarsem Singh, incluyendo The Cell (2000).

Participó también en la creación del vestuario de Varekai, un espectáculo del Cirque du Soleil, y en 2009 diseñó los vestuarios que la cantante Grace Jones vistió en su gira "Hurricane". Posteriormente diseñó los disfraces del musical de Broadway Spider-Man: Turn Off the Dark, y trabajó en la película Mirror Mirror de Tarsem Singh.

Su trabajo está incluido en la colección permanente de museos de todo el mundo, incluyendo el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 1992 fue seleccionada para ser miembro de la New York Art Directors Club Hall of Fame.

Eiko Ishioka falleció el 21 de enero de 2012 en Tokio, víctima de un cáncer de páncreas.

Theodosia Okoh homenajeada por Google en el 94 aniversario de su nacimiento.

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13 de Junio de 2016

Theodosia Okoh homenajeada por Google en el 94 aniversario de su nacimiento.

Google celebra la onomástica de la profesora y artista Theodosia Okoh en su página web de Ghana.

Teodosia Salomé Okoh nació el 13 de junio 1922 en Wenchi (Ghana). Mujer de Estado, profesora y artista conocido por diseñar la bandera de Ghana en 1957. Además de haber jugado un papel destacado en el desarrollo del hockey en Ghana.

Hija del Reverendo Emmanuel Victor Asihene, ex moderador de la Iglesia Presbiteriana de Ghana, cuarta de ocho hermanos. Estudió en la Escuela Primaria de Ashanti Efiduasi, después en la misión de Basilea, más tarde estudió en la Escuela Superior de Formación del Profesorado en Agogo y Achimota, donde cursó tres años de formación en Bellas Artes.

Tras la independencia de Ghana de Gran Bretaña se notificó la necesidad de una nueva bandera, La bandera fue diseñada por Theodosia Okoh para reemplazar la Bandera del Reino Unido después de su independencia. Fue presentada al primer Presidente del país Kwame Nkrumah el 6 de marzo de 1957. En ella figuran los colores panafricanos que también conforman las banderas de otros países como Etiopía (rojo, amarillo y verde), en bandas iguales horizontales con una estrella de cinco puntas en el centro de la banda amarilla. La bandera de Ghana fue la primera bandera africana, después de Etiopía, en adoptar estos colores.

Theodosia Okoh explicó en una entrevista "me decidí por los tres colores rojo, dorado y verde debido a la geografía de Ghana. Ghana se encuentra en los trópicos que tienen una rica vegetación, de ahí el color verde; el color oro fue influenciado por la rica naturaleza mineral de nuestras tierras y el rojo conmemora a aquellos murieron o trabajaron por la independencia del país, la solitaria estrella de cinco puntas es el símbolo de la emancipación y la unidad en la lucha contra el colonialismo de África. "

En cuanto al deporte Teodosia Okoh fue la primera mujer presidente de la Asociación de Hockey de Ghana y posteriormente presidenta de la Federación de Ghana de hockey durante 20 años, fue durante su mandato cuando Ghana se clasificó primera en la Copa Mundial de Hockey y en los Juegos Olímpicos. El Estadio Nacional de Hockey lleva su nombre desde 2004.

Murió el 19 de abril de 2015 en Nahr en el Hospital de Bita, tras una corta enfermedad, a los 92 años. 

William Morris Homenajeado por Google en el 182 aniversario de su nacimiento.

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24 de Marzo de 2016

William Morris Homenajeado por Google en el 182 aniversario de su nacimiento.

Google celebra el 182 aniversario del nacimiento de diseñador William Morris con cinco logos inspirados en sus creaciones. El logo aparece en sus páginas web de: Islandia, Portugal, Reino Unido, Eslovenia, Lituania, Serbia, Bulgaria y Grecia.

William Morris Nació el 24 de marzo de 1834 en Walthamstow, Essex (Inglaterra). Diseñador, poeta y reformador socialista, impulsó una vuelta a la sociedad, artesanía y diseño medievales. Fue la primera figura en la formación del movimiento Arts & Crafts.

Se educó en la Universidad de Oxford y trabajó durante un corto periodo como aprendiz de arquitecto. En 1857 fue uno de los fundadores de la Oxford and Cambridge Magazine. La revista sólo sobrevivió un año y a través de ella Morris entabló amistad con el poeta y pintor inglés Dante Gabriel Rossetti. Excepto por algunos esfuerzos literarios, Morris dedicó la mayor parte de su tiempo a la arquitectura y a la pintura. En 1861 formó una empresa de decoración junto con Rossetti, el pintor Edward Burne-Jones y otros pintores prerrafaelistas. La compañía diseñó y produjo obras decorativas como esculturas, trabajos en metal, vidrieras y alfombras. Estos productos fueron apreciados por su belleza natural y su finura de trabajo e inspiran directamente el movimiento Arts & Crafts, que trataba de revestir objetos de uso diario con esas cualidades. La influencia de este movimiento se extendió por Europa y Estados Unidos a lo largo de generaciones y contribuyó al desarrollo del Art Nouveau.

En sus numerosos y variados escritos, Morris sobresalió con traducciones de poesía de origen clásico y medieval. Escribió el poema épico El paraíso terrenal (1868-1870), siguiendo el estilo del gran poeta inglés Geoffrey Chaucer y tradujo en verso La Eneida de Virgilio (1875) y La Odisea de Homero (1877), con el estilo métrico del dramaturgo y traductor clásico inglés George Chapman. En 1868 conoció al erudito islandés Eirikr Magnusson y comenzó a estudiar su idioma para así poder traducir las epopeyas. Con el material recogido durante dos de sus viajes a Islandia, Morris escribió el poema épico en verso Historia de Sigur el Volsungo y la caída de los Nibelungos (1875).

La obra de Morris, tanto en poesía como en artes aplicadas, se caracteriza por la acentuación de los elementos decorativos, especialmente en aquéllos que consideraba característicos del arte medieval. Sus diseños para libros y papel para las paredes recuerdan la precisión y la elegancia de los manuscritos iluminados, además de que sus poemas y trabajos épicos trataron los temas medievales con una rica imaginación y simplicidad de estilo derivada de las obras clásicas y de las epopeyas. En sus escritos políticos trató de corregir los efectos deshumanizadores producidos por la Revolución Industrial proponiendo una forma de sociedad en la que las personas disfrutaran con la artesanía.

Morris fue aumentando su actividad en la política sin perder interés por el arte y las letras. En 1884 ayudó a crear la Liga Socialista, editando y contribuyendo a la difusión de su órgano de expresión, la Commonwealth. En Un sueño de John Ball (1886-1887) describió una comunidad socialista ficticia en Inglaterra. En 1890 creó la Kelmscott Press y publicó trabajos suyos y de los clásicos utilizando sus propios diseños para la tipografía y la ornamentación de las letras.

Falleció 3 de octubre de 1896.

Sophie Taeuber-Arp homenajeada por Google en el 127 aniversario de su nacimiento.

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19 de Enero de 2016

Sophie Taeuber-Arp homenajeada por Google en el 127 aniversario de su nacimiento

 Sophie Taeuber-Arp nació en Davos (Suiza) el 19 de enero de 1889. Artista, pintora y escultora suiza. Una artista capaz de moverse con soltura en el mundo de la danza, las marionetas, la pintura, la fotografía, la escultura, el diseño de vestuario y de interiores, e incluso la arquitectura.

Sophie Täuber estudió artes aplicadas en Múnich y Hamburgo. En 1922 junto con su marido formo parte del movimiento Dadá de Zúrich. En 1920 se traslada a Paris, donde continua diseñando. En los años 30, formó parte de los grupos constructivistas Cercle et Carré y Abstraction-création. También publicó su propio diario constructivista, que llamó Plastique.

En la Escuela de Artes Aplicadas aprende las fronteras rotas entre arte y artesanía que muestran sus tapices, aprende el valor del trazado geométrico presente en la que es su obra maestra en esos años, el Tríptico de 1918. Dadá le enseña la libertad patente en las fotografías que muestran a la artista actuando con las ropas diseñadas por ella misma, así como en las irónicas cabezas dadá o en las marionetas y la escenografía para la obra El Rey Ciervo del autor italiano Carlo Gozzi, donde geometría y humor encuentran su territorio común.

A lo largo de su corta vida, Sophie Taeuber hizo aportaciones determinantes al movimiento Dadá, pero también al Constructivismo, al Surrealismo y a todo ese amplio espectro de vanguardia geométrica desarrollado en el periodo de entreguerras.

Murió accidentalmente al inhalar los gases de una estufa con deficiente combustión el 13 de enero de 1943.

Tapio Wirkkala homenajeado por Google en el centenario de su nacimiento.

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2 de Junio de 2015

Tapio Wirkkala homenajeado por Google en el centenario de su nacimiento.

Google homenajea al diseñador Tapio Wirkkala en sus web de Finlandia y Lituania.

Tapio Wirkkala Nació el 2 de junio de 1915 en Hankoo un pequeño puerto al sur de Finlandia. Diseñador finlandés y escultor, pionero del arte industrial finlandés. Su trabajo abarca desde botellas de plástico y artículos de vidrio, cerámica y madera contrachapada. Sus diseños ganaron el reconocimiento internacional en los años posteriores a la segunda guerra mundial.

Su primer trabajo lo realizó siendo niño, mejoró el diseño de un cuchillo tradicional muy utilizado por los finlandeses el “Puukko” realizó su mango con un trozo de abedul que tallo a medida de su mano al que luego adaptó una navaja forjada.

Curso sus primeros estudios en la Escuela Central de Artes Aplicadas de Helsinki en los años 30, donde estudió artes plásticas, escultura ornamental en la Escuela de Artes y oficios de 1933 a 1936. Uno de sus primeros trabajos en 1951 fue una hoja llamada Lehti realizada en madera contrachapada, elegida “el objeto más hermoso del año” por la revista americana “House Beautiful”. De 1951 a 1954 fue director artístico del Instituto de arte Industrial de Helsinki y nombrado director artístico de la fábrica de vidrio Karhula-littala. De 1955 a 1956 trabajó en la oficina de Raymond Loewy en Nueva York donde aprendió diseño industrial y producción en masa.

Tapio Wirkkala fue sin duda un diseñador cuyas obras rompieron los límites entre la artesanía y las artes visuales. Diseño desde cubiertos, cristalería, gres, joyas en plata. Entre sus diseños más famosos destacan la botella de vodka Finlandia (1970-2000), Ultima Thule la serie de cristal más exitosa de Finlandia de todos los tiempos, los jarrones Kantarelli, la botella de kétchup de plástico de la marca Tomato, una colección de vasos llamados Maaru y el servicio de vajilla Festival de Rosenthal fueron sus últimas creaciones de cristalería

Sus trabajos más representativos aparecen ligados a la Fábrica de Cristal de Iittala, en Finlandia, la de porcelana Rosenthal, de Alemania, la de vidrio Venini en Venecia, Italia y a la empresa de plata Tane Orfebres, en México.

Recibió múltiples premios internacionales, su obra se exhibe en los museos más importantes del mundo y muchos de sus diseños se utilizan cotidianamente en hogares de todo el mundo, sin saber que provienen de uno de los más brillantes artistas del diseño del siglo XX.

Tapio Wirkkala falleció a los 70 años de edad, el 19 de mayo de 1985 en Helsinki.

94 aniversario del nacimiento de Anna Castelli Ferrieri.

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6 de Agosto de 2014

94 aniversario del nacimiento de Anna Castelli Ferrieri.

El logo apareció en la Web de Google de Italia.

Anna Castelli Ferrieri nació en Milán (Italia) el 6 de agosto de 1918. Arquitecta y diseñadora, precursora arquitecta del periodo de diseño moderno de la Italia de posguerra, conocida por su aceptación de la innovación tecnológica y por su estilo audaz.

Fue una de las primeras tituladas en Arquitectura por el prestigioso Instituto Politécnico de Milán, en 1943. En 1949, junto con su esposo, Giulio Castelli, fundó Kartell, que se convirtió en una importante empresa de muebles conocida por sus diseños plásticos de alta calidad. Creo la colección de contenedores Componibili, diseñados para responder a distintas exigencias de la vida cotidiana y que pueda ser usada en todas las zonas de la casa, baños, dormitorios, cocinas… 

La clave de este diseño es la superposición vertical, de manera simple y estable de las partes, donde simplemente encajan una dentro de otra, con esto se compone un práctico mueble contenedor, siendo un elemento práctico, flexible y funcional. El mueble plástico Componibili de Kartell, lleva en producción más de 40 años y se ha convertido en un icono y buen representante de la época dorada del diseño italiano, es parte de la exhibición permanente del MoMa en Nueva York y del Centro Pompidou en Paris.